Διάσημοι σοβιετικοί τραγουδιστές όπερας του θεάτρου Μπολσόι. μεγάλο θέατρο

Η εταιρεία μας προσφέρει εισιτήρια για το Θέατρο Μπολσόι - στις καλύτερες θέσεις και στην καλύτερη τιμή. Αναρωτιέστε γιατί πρέπει να αγοράσετε εισιτήρια από εμάς;

1. - Διαθέτουμε εισιτήρια για όλες τις θεατρικές παραστάσεις. Ανεξάρτητα από το πόσο μεγαλοπρεπής και διάσημη είναι η παράσταση στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι, θα έχουμε πάντα τα καλύτερα εισιτήρια για την παράσταση που θέλετε να δείτε.
2. - Πουλάμε εισιτήρια για το Θέατρο Μπολσόι στην καλύτερη τιμή! Μόνο στην εταιρεία μας οι πιο ευνοϊκές και λογικές τιμές για εισιτήρια.
3. — Θα παραδώσουμε τα εισιτήρια έγκαιρα σε οποιαδήποτε στιγμή και μέρος βολικό για εσάς.
4. — Έχουμε δωρεάν παράδοση εισιτηρίων στη Μόσχα!

Η επίσκεψη στο Θέατρο Μπολσόι είναι το όνειρο όλων των γνώστων της θεατρικής τέχνης, Ρώσων και ξένων. Γι' αυτό δεν είναι εύκολο να αγοράσεις εισιτήρια για το Θέατρο Μπολσόι. Η εταιρεία BILETTORG είναι στην ευχάριστη θέση να σας βοηθήσει να αγοράσετε εισιτήρια για τα πιο ενδιαφέροντα και δημοφιλή αριστουργήματα της όπερας και του κλασικού μπαλέτου στην καλύτερη τιμή.

Με την παραγγελία εισιτηρίων για το Θέατρο Μπολσόι, έχετε την ευκαιρία:

• - χαλαρώστε την ψυχή σας και αποκτήστε πολλά αξέχαστα συναισθήματα.
• — μπείτε στην ατμόσφαιρα αξεπέραστης ομορφιάς, χορού και μουσικής.
• - χαρίστε στον εαυτό σας και στα αγαπημένα σας πρόσωπα πραγματικές διακοπές.

Σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Φωτογραφία - Vladimir Vyatkin

Η 28η Μαρτίου σηματοδότησε την επέτειο του θεάτρου Μπολσόι. Μιλάμε για τις πριμ μπαλαρίνες που λάμπουν σήμερα στη γνωστή σκηνή.

Μαρία Αλεξάντροβα

Το όνομα της λαϊκής καλλιτέχνιδας της Ρωσικής Ομοσπονδίας Μαρία Αλεξάντροβα στην αφίσα είναι μια αναμφισβήτητη εγγύηση για ένα πλήρες σπίτι.

Η μπαλαρίνα ήρθε στο Θέατρο Μπολσόι το 1997 και έγινε ο βραβευμένος με το πρώτο βραβείο σε διεθνή διαγωνισμό. Και σχεδόν αμέσως μετακινήθηκε από το σώμα των καλλιτεχνών του μπαλέτου στην τάξη των κορυφαίων σολίστ.

Εδώ και 20 χρόνια δεν έχει ολοκληρωθεί ούτε μία θεατρική σεζόν χωρίς τη συμμετοχή της.

Όλες οι ηρωίδες του prima είναι ιδιοκτήτες ενός δύσκολου χαρακτήρα, ισχυρών και δυνατών γυναικών. Σήμερα στο Θέατρο Μπολσόι μπορείτε να δείτε την Αλεξάντροβα με την εικόνα του Οντίν από τον Ήρωα της εποχής μας και στον ομώνυμο ρόλο της Ζιζέλ, που επιμελήθηκε ο Γκριγκόροβιτς.

Σβετλάνα Ζαχάροβα

Η Σβετλάνα Ζαχάροβα εμφανίστηκε για πρώτη φορά στη σκηνή του θεάτρου Μαριίνσκι της Αγίας Πετρούπολης, αλλά στην άνοδο της καριέρας της, δεν φοβήθηκε να ξεκινήσει από την αρχή και να μετακομίσει στα Μπολσόι.

Από το 2003, η καλλιτέχνις παίζει στη Μόσχα και το 2008 έγινε η πρώτη μπαλαρίνα του διάσημου θεάτρου La Scala στο Μιλάνο. Μπορούμε να πούμε ότι η Ζαχάροβα κατάφερε να χορέψει όλα τα σόλο μέρη των καλτ μπαλέτων, συμπεριλαμβανομένων των Giselle, Swan Lake, La Bayadere, Carmen Suite.

Όμως, παρά την παγκόσμια φήμη, η πρίμα παραμένει αφιερωμένη στο Θέατρο Μπολσόι και η τελευταία της δουλειά είναι η Μαρία στο μπαλέτο "Hero of Our Time".

Ευγενία Ομπρατσόβα

Ένας άλλος πρώην prima του Mariinsky, και από το 2011 το αστέρι του θεάτρου Μπολσόι είναι η Evgenia Obraztsova.

Ένα κομψό, εύθραυστο κορίτσι είναι η ιδανική ηρωίδα όλων των ρομαντικών παραμυθιών, έτσι πίσω από τους ώμους της υπάρχουν τόσο απαλές εικόνες όπως η Sylphide, η Giselle, η La Bayadère, η Princess Aurora, η Cinderella, η Juliet.

Ωστόσο, η μπαλαρίνα δεν επιδιώκει να περιοριστεί σε έναν στενό ρόλο: το κύριο πράγμα για αυτήν είναι να χορεύει με τέτοιο τρόπο ώστε το κοινό να πιστεύει αυτό που βλέπει στη σκηνή. Η Obraztsova περιοδεύει πολύ και μάλιστα πρωταγωνίστησε σε ξένες ταινίες.

Ekaterina Shipulina

Η Ekaterina Shipulina είναι μια από τις πιο περιζήτητες μπαλαρίνες στη Ρωσία σήμερα. Μετά την αποφοίτησή της από την Κρατική Ακαδημία Χορογραφίας της Μόσχας, έγινε δεκτή στο θίασο του θεάτρου Μπολσόι, όπου κατάφερε να συνεργαστεί με όλους απολύτως τους χορογράφους.

Οι κριτικοί σημειώνουν την επιθυμία της Shipulina για απόλυτη ακρίβεια στην απόδοση. Το ρεπερτόριο της σταρ περιλαμβάνει δεκάδες πρωταγωνιστικούς ρόλους: Odette-Odile στη Λίμνη των Κύκνων, Esmeralda στον καθεδρικό ναό Notre Dame, Giselle στη Giselle.

Σήμερα, με βλέπουν στη σκηνή των Μπολσόι με την εικόνα του Ondine στο μπαλέτο "Hero of Our Time".

Ekaterina Krysanova

Η βιογραφία αυτού του prima μπορεί να εκπλήξει πολλούς, επειδή η πρώτη εκπαίδευση της Ekaterina Krysanova δεν ήταν χορογραφική.

Πρώτον, η διάσημη μπαλαρίνα σπούδασε στο Κέντρο Τραγουδιού της Όπερας της Μόσχας. Vishnevskaya και μόνο μετά από αυτό μπήκε στην Ακαδημία Χορογραφίας της Μόσχας. Δεν έλαβε αμέσως την ιδιότητα του prima, αλλά αφού συμμετείχε στο μπαλέτο Sleeping Beauty, έγινε μια για πάντα η αγαπημένη του κοινού και των κριτικών θεάτρου.

Το τελευταίο έργο της Κρυσάνοβα στο Θέατρο Μπολσόι ήταν οι Ρωσικές Εποχές και ο ρόλος της Παριζιάνας μπαλαρίνας Κοραλιέ στο Lost Illusions.

Νίνα Καψόβα

Η Nina Kaptsova το 1996, αμέσως μετά την αποφοίτησή της από την Κρατική Ακαδημία Χορογραφίας της Μόσχας, έγινε δεκτή στο θίασο του θεάτρου Μπολσόι. Ήταν άριστη μαθήτρια από μικρή και δεν είχε συνηθίσει να δουλεύει ολοταχώς.

Το αποτέλεσμα της σκληρής προπόνησης είναι προφανές: το 2011, η Kaptsova έλαβε τον τίτλο της prima των Μπολσόι. Μετά από αυτό, εδραίωσε την επιτυχία της με πρωταγωνιστικούς ρόλους στα μπαλέτα: Emeralds, Ivan the Terrible, Onegin. Σήμερα, η πρίμα μπαλαρίνα μπορεί να δει στη σκηνή των Μπολσόι στην εικόνα της Marguerite Gauthier στην Κυρία των Καμέλιων, καθώς και στην Κλασική Συμφωνία.

ΜΕΓΑΛΟ ΘΕΑΤΡΟΡωσικό Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο (SABT), ένα από τα παλαιότερα θέατρα της χώρας (Μόσχα). Ακαδημαϊκό από το 1919. Η ιστορία του θεάτρου Μπολσόι χρονολογείται από το 1776, όταν ο πρίγκιπας PV Urusov έλαβε το κυβερνητικό προνόμιο «να είναι ο ιδιοκτήτης όλων των θεατρικών παραστάσεων στη Μόσχα» με την υποχρέωση να χτίσει ένα πέτρινο θέατρο «ώστε να μπορεί να χρησιμεύσει ως στολίδι για τους πόλη, και επιπλέον, ένα σπίτι για δημόσιες μασκαράδες, κωμωδίες και κωμικές όπερες. Την ίδια χρονιά, ο Urusov προσέλκυσε τον M. Medox, καταγωγή από την Αγγλία, να συμμετάσχει στα έξοδα. Οι παραστάσεις ανέβηκαν στην Όπερα της Ζναμένκα, η οποία ανήκε στον Κόμη Ρ. Ι. Βορόντσοφ (το καλοκαίρι - στο "voxal" που ανήκε στον κόμη A. S. Stroganov "κάτω από το μοναστήρι Andronikov"). Παραστάσεις όπερας, μπαλέτου και δράματος παίχτηκαν από ηθοποιούς και μουσικούς που έφυγαν από τον θεατρικό θίασο του Πανεπιστημίου της Μόσχας, τους δουλοπαροικιακούς θιάσους των N. S. Titov και P. V. Urusov.

Αφού κάηκε η Όπερα το 1780, την ίδια χρονιά στην οδό Petrovka, ανεγέρθηκε σε 5 μήνες ένα θεατρικό κτίριο στο στυλ του κλασικισμού της Αικατερίνης - το θέατρο Petrovsky (αρχιτέκτονας H. Rozberg, βλ. Medox Theatre). Από το 1789 διοικούνταν από το Διοικητικό Συμβούλιο. Το 1805 κάηκε το κτίριο του Θεάτρου Petrovsky. Το 1806, ο θίασος περιήλθε στη δικαιοδοσία της Διεύθυνσης των Αυτοκρατορικών Θεάτρων της Μόσχας και συνέχισε να παίζει σε διαφορετικές αίθουσες. Το 1816 εγκρίθηκε ένα έργο για την ανοικοδόμηση της Πλατείας Θεάτρου από τον αρχιτέκτονα O. I. Bove. Το 1821, ο αυτοκράτορας Αλέξανδρος Α' ενέκρινε το σχέδιο ενός νέου κτιρίου θεάτρου από τον αρχιτέκτονα A. A. Mikhailov. T. n. Το Θέατρο Μπολσόι Πετρόφσκι σε στυλ Αυτοκρατορίας χτίστηκε από τον Μποβέ σύμφωνα με αυτό το έργο (με κάποιες αλλαγές και χρησιμοποιώντας τα θεμέλια του Θεάτρου Petrovsky). άνοιξε το 1825. Στον ορθογώνιο όγκο του κτιρίου ήταν εγγεγραμμένο ένα πέταλο αμφιθέατρο, το σκηνικό δωμάτιο ήταν ίσο σε έκταση με την αίθουσα και είχε μεγάλους διαδρόμους. Η κύρια πρόσοψη διακρίνεται από μια μνημειακή ιωνική στοά 8 κιόνων με ένα τριγωνικό αέτωμα που στέφεται με ένα αλαβάστρινο γλυπτό συγκρότημα "Apollo's Quadriga" (τοποθετείται με φόντο ημικυκλικής κόγχης). Το κτίριο έγινε ο κύριος συνθετικός κυρίαρχος του συνόλου της Πλατείας Θεάτρου.

Μετά την πυρκαγιά του 1853, το Θέατρο Μπολσόι αποκαταστάθηκε σύμφωνα με το έργο του αρχιτέκτονα Α.Κ. Κάβος (με την αντικατάσταση της γλυπτικής ομάδας από το χάλκινο έργο του PK Klodt), η κατασκευή ολοκληρώθηκε το 1856. Η ανακατασκευή άλλαξε σημαντικά την εμφάνισή του , αλλά διατήρησε τη διάταξη. η αρχιτεκτονική του θεάτρου Μπολσόι απέκτησε χαρακτηριστικά εκλεκτικισμού. Με αυτή τη μορφή διατηρήθηκε μέχρι το 2005, με εξαίρεση μικρές εσωτερικές και εξωτερικές ανακατασκευές (το αμφιθέατρο μπορεί να φιλοξενήσει πάνω από 2000 άτομα). Το 1924–59, ένα παράρτημα του θεάτρου Μπολσόι εργάστηκε (στις εγκαταστάσεις του πρώην Όπερες του S. I. Ziminστο Bolshaya Dmitrovka). Το 1920 άνοιξε μια αίθουσα συναυλιών στο πρώην αυτοκρατορικό φουαγιέ του θεάτρου - το λεγόμενο. Beethovensky (το 2012 του επιστράφηκε το ιστορικό όνομα "Imperial Foyer"). Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, μέρος του προσωπικού του θεάτρου Μπολσόι εκκενώθηκε στο Kuibyshev (1941-43), μέρος έδωσε παραστάσεις στις εγκαταστάσεις του υποκαταστήματος. Το 1961-89, μερικές παραστάσεις του θεάτρου Μπολσόι πραγματοποιήθηκαν στη σκηνή του Παλατιού των Συνεδρίων του Κρεμλίνου. Κατά την ανακατασκευή του κεντρικού κτηρίου του θεάτρου (2005–11), οι παραστάσεις πραγματοποιήθηκαν μόνο στη Νέα Σκηνή σε ένα ειδικά χτισμένο κτίριο (σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα A.V. Maslov· λειτουργεί από το 2002). Η κύρια (η λεγόμενη Ιστορική) σκηνή του θεάτρου Μπολσόι άνοιξε το 2011, από τότε οι παραστάσεις έχουν ανέβει σε δύο σκηνές. Το 2012 ξεκίνησαν οι συναυλίες στη νέα αίθουσα Beethoven.

Σημαντικό ρόλο στην ιστορία του θεάτρου Μπολσόι έπαιξαν οι δραστηριότητες των σκηνοθετών των αυτοκρατορικών θεάτρων - I. A. Vsevolozhsky (1881-99), Prince S. M. Volkonsky (1899-1901), V. A. Telyakovsky (1901-17). Το 1882, τα αυτοκρατορικά θέατρα αναδιοργανώθηκαν και το Θέατρο Μπολσόι έλαβε τις θέσεις του αρχιμαέστρου (χοράρχης· αυτός έγινε Ι. Κ. Αλτάνι, 1882–1906), του αρχισκηνοθέτη (A. I. Bartsal, 1882–1903) και του επικεφαλής της χορωδίας (U., choirmaster) 1882-1929). Ο σχεδιασμός των παραστάσεων έγινε πιο περίπλοκος και σταδιακά ξεπέρασε την απλή διακόσμηση της σκηνής. Ο C. F. Waltz (1861–1910) έγινε διάσημος ως αρχιμηχανολόγος και διακοσμητής.

Στο μέλλον, οι μουσικοί διευθυντές ήταν οι εξής: αρχι μαέστροι - V. I. Suk (1906–33), A. F. Arends (αρχι μαέστρος του μπαλέτου, 1900–24), S. A. Θανάτωση χωρίς δίκην(1936–43), A. M. Pazovsky (1943–48), N. S. Golovanov (1948–53), A. Sh. Melik-Pashaev (1953–63), E. F. Svetlanov (1963–65) ), GN Rozhdestvensky (1965–70 ), Yu. I. Simonov (1970–85), AN Lazarev (1987–95), καλλιτεχνικός διευθυντής της ορχήστρας P. Feranets (1995–98), μουσικός διευθυντής του θεάτρου, καλλιτεχνικός διευθυντής της ορχήστρας MF Ermler (1998 –2000), καλλιτεχνικός διευθυντής Γ.Ν. V.S. Σινά(2010–13), T.T. Sokhiev (από το 2014).

Βασικοί σκηνοθέτες: V.A. Lossky (1920–28), N. V. Smolich (1930–36), B. A. Mordvinov (1936–40), L. V. Baratov (1944–49), I. M. Tumanov (1964–70), B. A. Pokrovsky (1952, 1955 – 63, 1970-82); επικεφαλής της σκηνοθετικής ομάδας Γ.Π. Ansimov (1995–2000).

Κύριοι χοράρχες: V. P. Stepanov (1926–36), M. A. Cooper (1936–44), M. G. Shorin (1944–58), A. V. Rybnov (1958–88), S. M. Lykov (1988–95· καλλιτεχνικός διευθυντής της χορωδίας στο 1995– 2003), VV Borisov (από το 2003).

Βασικοί καλλιτέχνες: M. I. Kurilko (1925–27), F. F. Fedorovsky (1927–29, 1947–53), V. V. Dmitriev (1930–41), P. V. Williams (1941–47) , VF Ryndinin (1953–70), (NN) 1971–88), V. Ya. Leventhal (1988–95), SM Barkhin (1995–2000· επίσης καλλιτεχνικός διευθυντής, σκηνογράφος) ; επικεφαλής της υπηρεσίας καλλιτεχνών - A. Yu. Pikalova (από το 2000).

Καλλιτεχνικός διευθυντής του θεάτρου το 1995-2000 - V. V. Vasiliev . Γενικοί Διευθυντές - A. G. Iksanov (2000–13), V. G. Urin (από το 2013).

Καλλιτεχνικοί Διευθυντές του θιάσου όπερας: Β.Α.Ρουντένκο ( 1995–99), V. P. Andropov (2000–02),Μ. Φ. Κασρασβίλι(το 2002–14 οδήγησε δημιουργικές ομάδες του θιάσου όπερας), L. V. Talikova (από το 2014, επικεφαλής της εταιρείας όπερας).

Όπερα στο θέατρο Μπολσόι

Το 1779, μια από τις πρώτες ρωσικές όπερες, ο Μέλνικ, ένας μάγος, ένας απατεώνας και ένας προξενητής, εμφανίστηκε στη σκηνή της Όπερας στο Znamenka (κείμενο του A. O. Ablesimov, μουσική του M. M. Sokolovsky). Το θέατρο Petrovsky ανέβασε τον αλληγορικό πρόλογο "Wanderers" (κείμενο Ablesimov, μουσική EI Fomin), που παρουσιάστηκε την ημέρα έναρξης 30/12/1780 (10/1/1781), παραστάσεις όπερας "Δυστυχία από την άμαξα" (1780) , «The Miser» (1782 ), «Αγία Πετρούπολη Gostiny Dvor» (1783) του V. A. Pashkevich. Η περιοδεία των ιταλικών (1780–82) και των γαλλικών (1784–1785) θιάσων επηρέασε την ανάπτυξη της όπερας. Ο θίασος του Θεάτρου Petrovsky περιελάμβανε ηθοποιούς και τραγουδιστές E. S. Sandunova, M. S. Sinyavskaya, A. G. Ozhogin, P. A. Plavilshchikov, Ya. E. Shusherin και άλλους. τον πρόλογο "Ο θρίαμβος των Μουσών" των A. A. Alyabyev και A. N. Verstovsky. Έκτοτε, έργα Ρώσων συγγραφέων, κυρίως όπερες με βοντβίλ, κατέλαβαν μια αυξανόμενη θέση στο ρεπερτόριο της όπερας. Για περισσότερα από 30 χρόνια, το έργο του θιάσου όπερας συνδέθηκε με τις δραστηριότητες του AN Verstovsky, επιθεωρητή της Διεύθυνσης Αυτοκρατορικών Θεάτρων και συνθέτη, συγγραφέα των όπερων Pan Tvardovsky (1828), Vadim, or the Awakening of 12 Sleeping Virgins ( 1832), Askold's Grave "(1835)," Homesickness "(1839). Στη δεκαετία του 1840 ανέβηκαν οι ρωσικές κλασικές όπερες Μια ζωή για τον Τσάρο (1842) και Ρουσλάν και Λιουντμίλα (1846) του Μ. Ι. Γκλίνκα. Το 1856, το πρόσφατα ανακαινισμένο Θέατρο Μπολσόι άνοιξε με την όπερα I Puritani του V. Bellini που ερμήνευσε ένας ιταλικός θίασος. δεκαετία του 1860 χαρακτηρίζεται από αύξηση της δυτικοευρωπαϊκής επιρροής (η νέα Διεύθυνση των Αυτοκρατορικών Θεάτρων ευνόησε την ιταλική όπερα και τους ξένους μουσικούς). Από τις εγχώριες όπερες, Judith (1865) και Rogneda (1868) του A. N. Serov, Mermaid του A. S. Dargomyzhsky (1859, 1865) ανέβηκαν και όπερες του P. I. Tchaikovsky ανέβηκαν από το 1869. Η άνοδος της ρωσικής μουσικής κουλτούρας στο Θέατρο Μπολσόι συνδέεται με την πρώτη παραγωγή στη μεγάλη σκηνή όπερας του Ευγένιου Ονέγκιν (1881), καθώς και με άλλα έργα του Τσαϊκόφσκι, όπερες συνθετών της Αγίας Πετρούπολης - NA Rimsky-Korsakov, MP Mussorgsky . Ταυτόχρονα, ανέβηκαν τα καλύτερα έργα ξένων συνθετών - W. A. ​​Mozart, G. Verdi, C. Gounod, J. Bizet, R. Wagner. Ανάμεσα στους τραγουδιστές 19 - ικετεύω. 20ος αιώνας: M. G. Gukova, E. P. Kadmina, N. V. Salina, A. I. Bartsal, I. V. Gryzunov, V. R. Πετρόφ, P. A. Khokhlov. Η δραστηριότητα του μαέστρου του S. V. Rachmaninov (1904–06) έγινε ορόσημο για το θέατρο. Η ακμή του θεάτρου Μπολσόι το 1901–1917 συνδέεται σε μεγάλο βαθμό με τα ονόματα των F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov και A. V. Nezhdanova, K. S. Stanislavsky και Vl. ΚΑΙ. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο, K. A. Korovin και A. Ya. Golovin.

Το 1906–33, ο πραγματικός επικεφαλής του θεάτρου Μπολσόι ήταν ο V. I. Suk, ο οποίος συνέχισε να εργάζεται πάνω σε ρωσικές και ξένες κλασικές όπερες μαζί με τους σκηνοθέτες V. A. Lossky (Aida του G. Verdi, 1922· Lohengrin του R. Wagner, 1923). Boris Godunov» του MP Mussorgsky, 1927) και LV Baratov, καλλιτέχνη FF Fedorovsky. Στη δεκαετία 1920–30. Τις παραστάσεις διεύθυναν οι N. S. Golovanov, A. Sh. Melik-Pashaev, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, B. E. Khaykin, V. V. Barsova, K. G. Derzhinskaya, E D. Kruglikova, MP Maksakova, NA Obukhova, EA Stepanova, EA Stepanova, . , S. Ya. Lemeshev, MD Mikhailov, and PM Nortsov, A. S. Pirogov. Έγιναν πρεμιέρες σοβιετικών όπερων: The Decembrists του V. A. Zolotarev (1925), The Son of the Sun του S. N. Vasilenko και The Dumb Artist του I. P. Shishov (και οι δύο 1929), Almast του A. A. Spendiarov (1930). το 1935 ανέβηκε η όπερα Lady Macbeth of the Mtsensk District του D. D. Shostakovich. Σε συν. 1940 Ανέβηκε η Βαλκυρία του Βάγκνερ (σκηνοθέτης S. M. Eisenstein). Η τελευταία προπολεμική παραγωγή ήταν η Khovanshchina του Mussorgsky (13.2.1941). Το 1918–22, το Opera Studio λειτούργησε στο Θέατρο Μπολσόι υπό τη διεύθυνση του K. S. Stanislavsky.

Τον Σεπτέμβριο του 1943, το Θέατρο Μπολσόι άνοιξε τη σεζόν στη Μόσχα με την όπερα Ivan Susanin του M. I. Glinka. Στη δεκαετία 1940-50. Ανέβηκε ρωσικό και ευρωπαϊκό κλασικό ρεπερτόριο, καθώς και όπερες συνθετών από την Ανατολική Ευρώπη - B. Smetana, S. Moniuszko, L. Janacek, F. Erkel. Από το 1943, το θέατρο έχει συνδεθεί με το όνομα του σκηνοθέτη B. A. Pokrovsky, ο οποίος για περισσότερα από 50 χρόνια καθόριζε το καλλιτεχνικό επίπεδο των παραστάσεων της όπερας. Οι παραγωγές του στις όπερες War and Peace (1959), Semyon Kotko (1970) και The Gambler (1974) των S. S. Prokofiev, Ruslan and Lyudmila του Glinka (1972), Otello του G. Verdi θεωρούνται τυπικές (1978). Γενικότερα, για το ρεπερτόριο της όπερας της δεκαετίας του 1970 - πρώιμα. δεκαετία του 1980 Η ποικιλομορφία του στυλ είναι χαρακτηριστική: από όπερες του 18ου αιώνα. («Julius Caesar» του G. F. Handel, 1979· «Iphigenia in Aulis» του K. V. Gluck, 1983), κλασικά έργα όπερας του 19ου αιώνα. («Χρυσός του Ρήνου» του Ρ. Βάγκνερ, 1979) στη σοβιετική όπερα («Dead Souls» του R. K. Shchedrin, 1977· «Betrothal in a Monastery» του Προκόφιεφ, 1982). Στις καλύτερες παραστάσεις της δεκαετίας του 1950-70. τραγούδησαν I. K. Arkhipova, G. P. Vishnevskaya, M. F. Kasrashvili, T. A. Milashkina, E. V. Obraztsova, B. A. Rudenko, T. I. Sinyavskaya, V. A. Atlantov, A. Vedernikov, AF Krivchenya, S. Yu. , AP Ognivtsev, II Petrov, και M. O Reizen, Z. L. Sotkilava, A. A. Eizen, υπό τη διεύθυνση των E. F. Svetlanov, G. N. Rozhdestvensky, K. A. Simeonov και άλλων. Με εξαίρεση τη θέση του επικεφαλής διευθυντή (1982) και τον departure του Yu. Ο I. Simonov ξεκίνησε μια περίοδο αστάθειας. Μέχρι το 1988, ανέβηκαν μόνο μερικές παραγωγές όπερας: «The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia» (σκηνοθεσία RI Tikhomirov) και «The Tale of Tsar Saltan» (σκηνοθεσία GP Ansimov) του NA Rimsky-Korsakov. , “ Werther” του J. Massenet (σκηνοθέτης E. V. Obraztsova), “Mazepa” του P. I. Tchaikovsky (σκηνοθέτης S. F. Bondarchuk).

Από συ. δεκαετία του 1980 Η πολιτική του ρεπερτορίου της όπερας καθορίστηκε από τον προσανατολισμό προς έργα που παίζονται σπάνια: «The Beautiful Miller’s Girl» του G. Paisiello (1986, μαέστρος V. E. Weiss, σκηνοθέτης G. M. Gelovani), η όπερα του N. A. Rimsky-Korsakov «The Golden Cockerel» (1988, μαέστρος EF Svetlanov, σκηνοθέτης GP Ansimov), Mlada (1988, για πρώτη φορά σε αυτή τη σκηνή· μαέστρος AN Lazarev, σκηνοθέτης BA Pokrovsky), The Night Before Christmas (1990, μαέστρος Lazarev, σκηνοθεσία AB Titel), Υπηρέτρια του Τσαϊκόφσκι της Ορλεάνης (1990). , για πρώτη φορά σε αυτή τη σκηνή· μαέστρος Lazarev, σκηνοθέτης Pokrovsky), Aleko και The Miserly Knight του SV Rachmaninov (και οι δύο 1994, μαέστρος Lazarev, σκηνοθέτης N. I. Kuznetsov). Μεταξύ των παραγωγών είναι η όπερα «Prince Igor» του A. P. Borodin (επιμέλεια E. M. Levashov· 1992, κοινή παραγωγή με το θέατρο «Carlo Felice» στη Γένοβα· μαέστρος Lazarev, σκηνοθέτης Pokrovsky). Αυτά τα χρόνια ξεκίνησε μια μαζική αποχώρηση τραγουδιστών στο εξωτερικό, η οποία (ελλείψει της θέσης του επικεφαλής διευθυντή) οδήγησε σε μείωση της ποιότητας των παραστάσεων.

Το 1995–2000, η ​​βάση του ρεπερτορίου ήταν οι ρωσικές όπερες του 19ου αιώνα, μεταξύ των παραγωγών: «Ivan Susanin» του M. I. Glinka (επαναφορά της παραγωγής από τον L. V. Baratov το 1945, σκηνοθέτης V. G. Milkov), «Iolanta» του P. I. Tchaikovsky (σκηνοθέτης GP Ansimov, και οι δύο 1997), Francesca da Rimini του SV Rachmaninov (1998, μαέστρος AN Chistyakov, σκηνοθέτης BA Pokrovsky). Από το 1995, ξένες όπερες παίζονται στο Θέατρο Μπολσόι στην πρωτότυπη γλώσσα τους. Με πρωτοβουλία του B. A. Rudenko, πραγματοποιήθηκε συναυλία των όπερων Lucia di Lammermoor του G. Donizetti (μαέστρος P. Feranets) και Norma του V. Bellini (μαέστρος Chistyakov· αμφότερες το 1998). Μεταξύ άλλων όπερων: "Khovanshchina" του M. P. Mussorgsky (1995, μαέστρος M. L. Rostropovich, σκηνοθέτης B. A. Pokrovsky), "Players" του D. D. Shostakovich (1996, παράσταση συναυλίας, για πρώτη φορά σε αυτή τη σκηνή, μαέστρος Chistyakov), η πιο επιτυχημένη παραγωγή. από αυτά τα χρόνια είναι το «The Love for Three Orange» του SS Prokofiev (1997, σκηνοθέτης P. Ustinov).

Το 2001, η όπερα Nabucco του G. Verdi ανέβηκε για πρώτη φορά στο Θέατρο Μπολσόι (μαέστρος M. F. Ermler, σκηνοθέτης M. S. Kislyarov), υπό τη διεύθυνση του G. N. Rozhdestvensky, την πρεμιέρα της 1ης έκδοσης της όπερας The Gambler του S. Προκόφιεφ (σκηνοθεσία AB Titel). Βασικές αρχές του ρεπερτορίου και της πολιτικής προσωπικού (από το 2001): επιχειρηματική αρχή της εργασίας σε μια παράσταση, πρόσκληση ερμηνευτών με σύμβαση (με σταδιακή μείωση στον κύριο θίασο), ενοικίαση ξένων παραστάσεων (Force of Destiny του G. Verdi, 2001 , ενοικίαση μιας παραγωγής του Θεάτρου San Carlo ", Νάπολη); "Adrienne Lecouvreur" F. Cilea (2002, για πρώτη φορά σε αυτή τη σκηνή, στη σκηνική εκδοχή του θεάτρου "La Scala"), "Falstaff" του Verdi (2005, ενοικίαση της παράστασης του θεάτρου "La Scala" , σκηνοθέτης J. Strehler). Από τις εγχώριες όπερες, Ruslan and Lyudmila του M. I. Glinka (με τη συμμετοχή «ιστορικών» οργάνων στην ορχήστρα, μαέστρος A. A. Vedernikov, σκηνοθέτης V. M. Kramer; 2003), «Fiery Angel» του S. S. Prokofiev (2004, για πρώτη φορά στο το θέατρο Μπολσόι· μαέστρος Vedernikov, σκηνοθέτης F. Zambello).

Το 2002 άνοιξε η Νέα Σκηνή, η πρώτη παράσταση ήταν The Snow Maiden του N. A. Rimsky-Korsakov (μαέστρος N. G. Alekseev, σκηνοθέτης D. V. Belov). Μεταξύ των παραγωγών: The Adventures of the Rake του I. F. Stravinsky (2003, για πρώτη φορά στο Θέατρο Μπολσόι· μαέστρος A. V. Titov, σκηνοθέτης D. F. Chernyakov), The Flying Dutchman του R. Wagner στην 1η έκδοση (2004, μαζί μεΚρατική Όπερα της Βαυαρίας;μαέστρος A. A. Vedernikov, σκηνοθέτης P. Konvichny). Μια λεπτή μινιμαλιστική σκηνογραφία ξεχώρισε την παραγωγή της όπερας Madama Butterfly του G. Puccini (2005, σκηνοθέτης και καλλιτέχνης R. Wilson ). Η τεράστια εμπειρία της διεύθυνσης εργασίας στη μουσική του P.I. Tchaikovsky έφερε τον M.V.Πλέτνεφ στην παραγωγή του The Queen of Spades (2007, σκηνοθέτης V. V. Fokin). Για την παραγωγή του "Boris Godunov"Ο M. P. Mussorgsky στην έκδοση του D. D. Shostakovich (2007) προσκλήθηκε ο σκηνοθέτης A. N.Σοκούροφ , για τον οποίο ήταν η πρώτη εμπειρία στην όπερα. Μεταξύ των παραγωγών αυτών των χρόνων είναι η όπερα Μάκβεθ του G. Verdi (2003, μαέστρος M. Panni, σκηνοθέτης E. Necroshus ), «Children of Rosenthal» του LA Desyatnikov (2005, παγκόσμια πρεμιέρα· μαέστρος Vedernikov, σκηνοθέτης Nekroshyus), «Eugene Onegin» του Tchaikovsky (2006, μαέστρος Vedernikov, σκηνοθέτης Chernyakov), «The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia» N A. Rimsky-Korsakov (2008, μαζί με το Lirico Theatre στο Κάλιαρι της Ιταλίας· μαέστρος Vedernikov, σκηνοθέτης Nekroshus), Wozzeck του A. Berg (2009, για πρώτη φορά στη Μόσχα· μαέστρος T.Κουρέντζης, σκηνοθέτης και καλλιτέχνης Chernyakov).

Από το 2009 λειτουργεί στο Θέατρο Μπολσόι το Πρόγραμμα Όπερας Νέων, οι συμμετέχοντες του οποίου εκπαιδεύονται για 2 χρόνια και λαμβάνουν μέρος σε θεατρικές παραστάσεις. Από το 2010, ξένοι σκηνοθέτες και ερμηνευτές είναι παρόντες σε όλες τις παραγωγές. Το 2010, η οπερέτα "Die Fledermaus" του I. Strauss (για πρώτη φορά σε αυτή τη σκηνή), η όπερα "Don Giovanni" του WA Μότσαρτ (μαζί με το Διεθνές Φεστιβάλ στο Aix-en-Provence, το Real Theatre στη Μαδρίτη και στην Καναδική Όπερα) ανέβηκαν στο Τορόντο· μαέστρος Currentzis, σκηνοθέτης και σχεδιαστής Chernyakov), το 2011 - η όπερα The Golden Cockerel του N. A. Rimsky-Korsakov (μαέστρος V. S. Sinaisky, σκηνοθέτης K. S. Serebrennikov).

Η πρώτη παραγωγή στην Κεντρική (Ιστορική) Σκηνή, που άνοιξε μετά την ανακατασκευή το 2011, είναι ο Ruslan and Lyudmila από τον M. I. Glinka (μαέστρος V. M. Yurovsky, σκηνοθέτης και καλλιτέχνης D. F. Chernyakov) - λόγω της συγκλονιστικής σκηνικής απόφασης η όπερα συνοδεύτηκε από σκάνδαλο. Σε «αντίβαρο» της, την ίδια χρονιά, η παραγωγή του «Μπορίς Γκοντούνοφ» του Μ. Π. Μουσόργκσκι, σε επιμέλεια Ν. Α. Ρίμσκι-Κόρσακοφ (1948, σκηνοθέτης. L.V. Μπαράτοφ). Το 2012 ανέβηκε στη Μόσχα η πρώτη παραγωγή της όπερας The Rosenkavalier του R. Strauss (μαέστρος VS Sinaisky, σκηνοθέτης S. Lawless), η πρώτη σκηνική παράσταση της όπερας The Child and the Magic του M. Ravel στο Θέατρο Μπολσόι. (μαέστρος AA Solovyov, σκηνοθέτης και καλλιτέχνης E. MacDonald), ανέβασε ξανά το «Prince Igor» του A. P. Borodin (σε νέα έκδοση από τον P. V. Karmanova, τον σύμβουλο V. I.Μαρτίνοφ , μαέστρος Sinaiski, σκηνοθέτης Y. Π. Λιουμπίμοφ), καθώς και "The Enchantress" του P. I. Tchaikovsky, "La Sonnambula" του V. Bellini και άλλων. The Tsar's Bride" του Rimsky-Korsakov (μαέστρος GN Rozhdestvensky, βασισμένος στη σκηνογραφία του FF Fedorovsky, 1955), " The Maid of Orleans» του Π.Ι. Τσαϊκόφσκι (παράσταση συναυλίας, μαέστρος Τ.Τ. Σόχιεφ), για πρώτη φορά στο Θέατρο Μπολσόι - «Η ιστορία του Κάι και της Γκέρντα» του Σ. Π. Μπάνεβιτς. Ανάμεσα στις παραγωγές των τελευταίων ετών είναι η Rodelinda του G. F. Handel (2015, για πρώτη φορά στη Μόσχα, μαζί μεΕθνική Όπερα της Αγγλίας;μαέστρος C. Moulds, σκηνοθέτης R. Jones), Manon Lescaut του G. Puccini (για πρώτη φορά στο Θέατρο Μπολσόι· μαέστρος J. Biniamini, σκηνοθέτης A. Ya. Shapiro), Billy Budd του B. Britten (για πρώτη φορά ώρα στο Μπολσόι με την Εθνική Όπερα της Αγγλίας καιΓερμανική Όπερα στο Βερολίνο;μαέστρος W. Lacy, σκηνοθέτης D. Alden; και τα δύο 2016).

Μπαλέτο Μπολσόι

Το 1784, μαθητές της τάξης μπαλέτου, που άνοιξαν το 1773 στο Ορφανοτροφείο, εντάχθηκαν στο θίασο του Θεάτρου Petrovsky. Οι πρώτοι χορογράφοι ήταν Ιταλοί και Γάλλοι (L. Paradise, F. and C. Morelli, P. Pinyucci, J. σολομών). Το ρεπερτόριο περιελάμβανε δικές τους παραγωγές και επαναπρογραμματισμένες παραστάσεις από τον J.J. Νοβέρα, μπαλέτα κωμωδίας είδους.

Στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα. η δραστηριότητα της Α.Π. Γκλουσκόφσκι, ο οποίος ηγήθηκε του θιάσου μπαλέτου το 1812–39. Ανέβασε παραστάσεις διαφόρων ειδών, συμπεριλαμβανομένων των πλοκών του A. S. Pushkin («Ruslan and Lyudmila, or the Overthrow of Chernomor, the Evil Wizard» του F. E. Scholz, 1821· «Black Shawl, or Punished Infidelity» στη συνδυασμένη μουσική, 1831 ), και επίσης μετέφερε στη σκηνή της Μόσχας πολλά από τα έργα της Αγίας Πετρούπολης του Sh. L. Didlo. Ο ρομαντισμός καθιερώθηκε στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι χάρη στον χορογράφο F. Γκιουλέν Σορ, ο οποίος εργάστηκε εδώ το 1823–39 και μετέφερε μια σειρά από μπαλέτα από το Παρίσι (La Sylphide του J. Schneitzhoffer, χορογραφία F. Taglioni, 1837, κ.λπ.). Μεταξύ των μαθητών της και των πιο διάσημων ερμηνευτών: Ε.Α. Σανκόφσκαγια, T. I. Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronina-Ivanova, I. N. Nikitin. Ιδιαίτερη σημασία είχαν οι παραστάσεις το 1850 από τον Αυστριακό χορευτή F. Έλσλερ, χάρη στο οποίο τα μπαλέτα του J. J. Perrot("Esmeralda" C. Pugni, και άλλοι).

Από τον Ser. 19ος αιώνας Τα ρομαντικά μπαλέτα άρχισαν να χάνουν τη σημασία τους, παρά το γεγονός ότι ο θίασος διατήρησε τους καλλιτέχνες που έλκονταν προς το μέρος τους: P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva, τη δεκαετία του 1870. - A. I. Sobeshchanskaya. Κατά τη δεκαετία 1860-90. στο Θέατρο Μπολσόι αντικαταστάθηκαν αρκετοί χορογράφοι που ηγούνταν του θιάσου ή ανέβαζαν μεμονωμένες παραστάσεις. Το 1861–63, ο Κ. blasisπου απέκτησε φήμη μόνο ως δάσκαλος. Το πιο ρεπερτόριο στη δεκαετία του 1860. ήταν μπαλέτα του Α. Άγιος Λέων, που μετακόμισε από την Αγία Πετρούπολη το έργο «Το μικρό αλογάκι με καμπούρα» του C. Pugni (1866). Σημαντικό επίτευγμα του θεάτρου είναι το μπαλέτο «Δον Κιχώτης» του L.F. Minkus, που ανέβασε ο M.I. Πετίπατο 1869. Το 1867–69, ο S. P. Sokolov ανέβασε πολλές παραγωγές («Fern, or Night at Ivan Kupala» του Yu. G. Gerber και άλλων). Το 1877, ο γνωστός χορογράφος V. Reisinger, που έφτασε από τη Γερμανία, έγινε ο σκηνοθέτης της πρώτης (αποτυχημένης) έκδοσης της Λίμνης των Κύκνων του P. I. Tchaikovsky. Στη δεκαετία 1880-90. χορογράφοι στο Θέατρο Μπολσόι ήταν οι J. Hansen, H. Mendes, A. N. Bogdanov, I. N. Χλιούστιν. Να συν. Τον 19ο αιώνα, παρά την παρουσία δυνατών χορευτών στον θίασο (L. N. Geiten, L. A. Roslavleva, N. F. Manokhin, N. P. Domashev), το Μπαλέτο Μπολσόι βρισκόταν σε κρίση: η Μόσχα δεν είδε τον P. I. Tchaikovsky (μόνο το 1899 το μπαλέτο Beauty The Sleeping μεταφέρθηκε στο Θέατρο Μπολσόι από τον Α.Α. Γκόρσκι), οι καλύτερες παραγωγές των Petipa και LI Ιβάνοβα. Τέθηκε μάλιστα το ερώτημα για την εκκαθάριση του θιάσου, που το 1882 μειώθηκε στο μισό. Ο λόγος για αυτό ήταν εν μέρει η λίγη προσοχή της Διεύθυνσης των Αυτοκρατορικών Θεάτρων στον θίασο (που τότε θεωρούνταν επαρχιακός), χωρίς ταλέντο ηγέτες που αγνόησαν τις παραδόσεις του μπαλέτου της Μόσχας, η ανανέωση του οποίου έγινε δυνατή στην εποχή των μεταρρυθμίσεων στο Ρωσική τέχνη στην αρχή. 20ος αιώνας

Το 1902, ο θίασος μπαλέτου ήταν επικεφαλής του A. A. Gorsky. Οι δραστηριότητές του συνέβαλαν στην αναβίωση και την άνθηση του Μπαλέτου Μπολσόι. Ο χορογράφος προσπάθησε να γεμίσει το μπαλέτο με δραματικό περιεχόμενο, πέτυχε τη λογική και την αρμονία της δράσης, την ακρίβεια του εθνικού χρώματος και την ιστορική αυθεντικότητα. Ο Γκόρσκι ξεκίνησε τη δουλειά του ως χορογράφος στη Μόσχα με αναθεωρήσεις μπαλέτων άλλων ανθρώπων [Don Quixote by L. F. Minkus (βασισμένο στην παραγωγή της Αγίας Πετρούπολης του M. I. Petipa), 1900; Η Λίμνη των Κύκνων (βασισμένη στην παράσταση της Αγίας Πετρούπολης των Petipa και LI Ivanov, 1901]. Σε αυτές τις παραγωγές, διατηρήθηκαν σε μεγάλο βαθμό οι δομικές μορφές του ακαδημαϊκού μπαλέτου (παραλλαγές, μικρά σύνολα, αριθμοί corps de ballet) και στη Λίμνη των Κύκνων, St. Διατηρήθηκε επίσης η χορογραφία της Πετρούπολης. Οι ιδέες του Γκόρσκι ενσωματώθηκαν πλήρως στο μιμικό δράμα The Daughter of Gudula του A. Yu. Simon (1902). Οι καλύτερες πρωτότυπες παραγωγές του Gorsky ήταν το Salambo του AF Arends (1910), Love is Fast! μουσική του E. Grieg (1913). Ωστόσο, τα ευρήματα στον τομέα της σκηνοθεσίας και του χορού χαρακτήρων, καινοτόμα σχέδια μαζικών αριθμών που παραβίαζαν την παραδοσιακή συμμετρία συνοδεύονταν μερικές φορές από αδικαιολόγητη παρέκκλιση των δικαιωμάτων του κλασικού χορού, ακίνητες αλλαγές στο η χορογραφία των προκατόχων, ένας εκλεκτικός συνδυασμός τεχνικών που προέρχονται από διάφορα καλλιτεχνικά κινήματα των πρώτων δεκαετιών του 20ου αιώνα. Οι ομοϊδεάτες του Γκόρσκι ήταν οι κορυφαίοι χορευτές του θεάτρου Μ. Μ. Mordkin, V. A. Καράλλη, A. M. Balashova, S. V. Fedorova, μάστερ της παντομίμας V. A. Ryabtsev, I. E. Sidorov. Μαζί του δούλεψε και η Ε.Β. Γκέλτζερκαι V.D. Τιχομίροφ, οι χορευτές A. E. Volinin, L. L. Novikov, αλλά γενικά, ο Gorsky δεν επιδίωξε στενή συνεργασία με καλλιτέχνες της ακαδημαϊκής κατεύθυνσης. Μέχρι το τέλος της δημιουργικής του δραστηριότητας, ο θίασος του θεάτρου Μπολσόι, ο οποίος αναδιοργανώθηκε διαδοχικά υπό την επιρροή του, είχε χάσει σε μεγάλο βαθμό τις δεξιότητες να εκτελέσει μεγάλες παραστάσεις του παλιού ρεπερτορίου.

Στις δεκαετίες του 1920 και του 30. υπήρξε μια επιστροφή στα κλασικά. Η διεύθυνση του μπαλέτου εκείνη την εποχή ήταν στην πραγματικότητα (και από το 1925 στο γραφείο) από τον V. D. Tikhomirov. Επέστρεψε τη χορογραφία του M. I. Petipa στην 3η πράξη του La Bayadère του L. F. Minkus (1923), επαναλαμβάνει σε δικές του εκδόσεις, κοντά στις κλασικές της Πετρούπολης, τα μπαλέτα Η Ωραία Κοιμωμένη (1924), Esmeralda (1926, νέα μουσική έκδοση. από τον RM Glier).

δεκαετία του 1920 στη Ρωσία είναι μια εποχή αναζήτησης νέων μορφών σε όλα τα είδη τέχνης, συμπεριλαμβανομένου του χορού. Ωστόσο, καινοτόμοι χορογράφοι σπάνια έγιναν δεκτοί στο Θέατρο Μπολσόι. Το 1925 ο K. Ya. Γκολεϊζόφσκιανέβασε το μπαλέτο «Joseph the Beautiful» του S. N. Vasilenko στη σκηνή του κλάδου του θεάτρου, το οποίο περιείχε πολλές καινοτομίες στην επιλογή και τον συνδυασμό χορευτικών κινήσεων και τη συγκρότηση ομάδων, με κονστρουκτιβιστικό σχέδιο του B. R. Έρντμαν. Η παραγωγή των V. D. Tikhomirov και L. A. Lashchilin «The Red Poppy» σε μουσική του R. M. Gliere (1927) θεωρήθηκε επίσημα αναγνωρισμένο επίτευγμα, όπου το επίκαιρο περιεχόμενο ήταν ντυμένο με μια παραδοσιακή μορφή («όνειρο μπαλέτου», κανονικό pas de de, στοιχεία υπερβολής). Οι παραδόσεις της δημιουργικότητας του A. A. Gorsky συνεχίστηκαν εκείνη την εποχή από τον I. A. Μοϊσέεφ, ο οποίος ανέβασε τα μπαλέτα του V. A. Oransky "Football Player" (1930, μαζί με τον Lashchilin) ​​και "Three Fat Men" (1935), καθώς και μια νέα έκδοση του "Salambo" του A. F. Arends (1932).

Από συ. δεκαετία του 1920 ο ρόλος του θεάτρου Μπολσόι -της πρωτεύουσας πλέον, του «κεντρικού» θεάτρου της χώρας- μεγαλώνει. Στη δεκαετία του 1930 χορογράφοι, δάσκαλοι και καλλιτέχνες μεταφέρθηκαν εδώ από το Λένινγκραντ, μεταφέρθηκαν οι καλύτερες παραστάσεις. Μ. Τ. Σεμιόνοφκαι ένα. Ερμολάεφέγιναν κορυφαίοι ερμηνευτές μαζί με τους Μοσχοβίτες O.V. Lepeshinskaya, ΕΙΜΑΙ. Messerer, ΜΜ. Γκάμποβιτς. Στο θέατρο και στο σχολείο ήρθαν οι δάσκαλοι του Λένινγκραντ E.P. Gerdt, A. M. Monakhov, V. A. Semyonov, χορογράφος A. I. Chekrygin. Αυτό συνέβαλε στη βελτίωση των τεχνικών δεξιοτήτων του μπαλέτου της Μόσχας, της σκηνικής κουλτούρας των παραστάσεων του, αλλά ταυτόχρονα, σε κάποιο βαθμό, οδήγησε στην απώλεια του δικού του στυλ παράστασης της Μόσχας και των σκηνοθετικών παραδόσεων.

Στη δεκαετία του 1930 - 40. Το ρεπερτόριο περιλαμβάνει τα μπαλέτα «The Flames of Paris» του B.V. Asafiev στη χορογραφία του V.I. Vainonenκαι αριστουργήματα δραματικού μπαλέτου - "The Fountain of Bakhchisarai" του Asafiev στη χορογραφία του R.V. Ζαχάροβακαι «Romeo and Juliet» του S. S. Prokofiev στη χορογραφία του L. M. Λαβρόφσκι(μετακόμισε στη Μόσχα το 1946, μετά τον Γ.Σ. Ουλανόβα), καθώς και το έργο των χορογράφων που συνέχισαν τις παραδόσεις του ρωσικού ακαδημαϊσμού στο έργο τους: Vainonen (Ο Καρυοθραύστης του P.I. Tchaikovsky) F.V. Λοπούχοφ(“Bright Stream” του D. D. Shostakovich), V. M. Chabukiani(«Laurencia» του A. A. Crane). Το 1944, ο Λαβρόφσκι, που ανέλαβε τη θέση του επικεφαλής χορογράφου, ανέβασε τη Ζιζέλ του Α. Άνταμ στο θέατρο Μπολσόι.

Από τη δεκαετία του 1930 και να υπηρετήσει. δεκαετία του 1950 η κύρια τάση στην ανάπτυξη του μπαλέτου ήταν η προσέγγισή του με το ρεαλιστικό δραματικό θέατρο. Κ σερ. δεκαετία του 1950 το είδος του δραματικού μπαλέτου έχει ξεπεραστεί. Εμφανίστηκε μια ομάδα νέων χορογράφων που προσπαθούσαν για μεταμορφώσεις, επιστρέφοντας στη χορογραφική απόδοση της ιδιαιτερότητάς της, αποκαλύπτοντας εικόνες και συγκρούσεις μέσω του χορού. Το 1959, ένας από τους πρωτότοκους της νέας κατεύθυνσης μεταφέρθηκε στο Θέατρο Μπολσόι - το μπαλέτο "Stone Flower" του S. S. Prokofiev στη χορογραφία του Yu. N. Γκριγκόροβιτςκαι σχέδιο S. B. Βιρσαλάτζε(η πρεμιέρα έγινε το 1957 στο Λένινγκραντ GATOB). Στην αρχή. δεκαετία του 1960 Η Ν.Δ. Κασάτκινα και V. Yu. Βασίλεφ ανέβηκε στο θέατρο Μπολσόι μονόπρακτα μπαλέτα του N. N. Karetnikov (Vanina Vanini, 1962; Geologists, 1964), I. F. Stravinsky (The Rite of Spring, 1965).

Από συ. δεκαετία του 1950 Ο θίασος μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι άρχισε να παίζει τακτικά στο εξωτερικό, όπου κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα. Οι επόμενες δύο δεκαετίες - η ακμή του θεάτρου, πλούσιου σε λαμπερές προσωπικότητες, που επιδεικνύει το σκηνικό και ερμηνευτικό του στυλ σε όλο τον κόσμο, το οποίο εστίαζε σε ένα ευρύ και, επιπλέον, διεθνές κοινό. Οι παραστάσεις που παρουσιάστηκαν στην περιοδεία επηρέασαν τις ξένες εκδόσεις των κλασικών, καθώς και το πρωτότυπο έργο των ευρωπαίων μπαλετών Κ. Μακμίλαν, J. Κράνκοκαι τα λοιπά.

Ο Yu. N. Grigorovich, ο οποίος διηύθυνε τον θίασο του μπαλέτου το 1964–95, ξεκίνησε την καριέρα του με τη μεταφορά του Legend of Love (1965) του A. D. Melikov, το οποίο είχε ανεβάσει στο παρελθόν στο Λένινγκραντ και στο Νοβοσιμπίρσκ (και τα δύο το 1961). Στα επόμενα 20 χρόνια, εμφανίστηκαν μια σειρά από πρωτότυπες παραγωγές, που δημιουργήθηκαν σε συνεργασία με τον S. B. Virsaladze: The Nutcracker του P. I. Tchaikovsky (1966), Spartacus του A. I. Khachaturian (1968), Ivan the Terrible σε μουσική S. S. Prokofiev (1975). ), «Angara» του A. Ya. Eshpay (1976), «Romeo and Juliet» του Prokofiev (1979). Το 1982, ο Γκριγκόροβιτς ανέβασε το τελευταίο του πρωτότυπο μπαλέτο, τη Χρυσή Εποχή του Ντ. Ντ. Σοστακόβιτς, στο Θέατρο Μπολσόι. Αυτές οι παραστάσεις μεγάλης κλίμακας με μεγάλες μαζικές σκηνές απαιτούσαν ένα ιδιαίτερο στυλ παράστασης - εκφραστικό, ηρωικό, μερικές φορές πομπώδες. Παράλληλα με τη σύνθεση των δικών του παραστάσεων, ο Γκριγκόροβιτς ασχολήθηκε ενεργά με την επεξεργασία της κλασικής κληρονομιάς. Δύο από τις παραγωγές του «Η Ωραία Κοιμωμένη» (1963 και 1973) βασίστηκαν στο πρωτότυπο του M. I. Petipa. Ο Γκριγκόροβιτς ξανασκέφτηκε σημαντικά τη «Λίμνη των Κύκνων» του Τσαϊκόφσκι (1969), τον «Ρέιμοντ» του Α. Κ. Γκλαζούνοφ (1984). Η παραγωγή του La Bayadère του L. F. Minkus (1991, επιμέλεια GATOB) επέστρεψε στο ρεπερτόριο μια παράσταση που δεν είχε ανέβει στη σκηνή της Μόσχας για πολλά χρόνια. Λιγότερο θεμελιώδεις αλλαγές έγιναν στις Giselle (1987) και Le Corsaire (1994, σύμφωνα με την έκδοση του K. M. , Yu. K. Βλαντιμίροφ, Α.Β. Γκοντούνοφκλπ. Ωστόσο, η επικράτηση των παραγωγών του Γκριγκόροβιτς είχε ένα αρνητικό - οδήγησε στη μονοτονία του ρεπερτορίου. Εστιάζοντας αποκλειστικά στον κλασικό χορό και, στο πλαίσιο του, στο λεξιλόγιο ενός ηρωικού σχεδίου (μεγάλα άλματα και πόζες adagio, ακροβατικά άρματα), με τον σχεδόν πλήρη αποκλεισμό από παραστάσεις χαρακτηριστικών, ιστορικών, καθημερινών, γκροτέσκων αριθμών και σκηνών παντομίμας. τις δημιουργικές δυνατότητες του θιάσου. Στις νέες παραγωγές και εκδόσεις των μπαλέτων κληρονομιάς, οι χορευτές χαρακτήρων και οι καλλιτέχνες μίμων ουσιαστικά δεν συμμετείχαν, γεγονός που φυσικά οδήγησε στην παρακμή της τέχνης του χορού χαρακτήρων και της παντομίμας. Παλιά μπαλέτα και παραστάσεις άλλων χορογράφων παίζονταν όλο και λιγότερο συχνά και τα μπαλέτα κωμωδίας, παραδοσιακά για τη Μόσχα στο παρελθόν, εξαφανίστηκαν από τη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Στα χρόνια της ηγεσίας του Grigorovich, παραγωγές των N. D. Kasatkina και V. Yu. Vasilyev ("The Rite of Spring" του I. F. Stravinsky), V. I. Vainonen ("The Flames of Paris" του B. V. . Asafiev), A. Alonso (Carmen Suite από τον J. Bizet - RK Shchedrin), ΑΙ Ο Ραντούνσκι («The Little Humpbacked Horse» του Shchedrin), ο L. M. Lavrovsky («Romeo and Juliet» του S. S. Prokofiev), οι παλιές εκδόσεις της Μόσχας της Λίμνης των Κύκνων του Τσαϊκόφσκι και του Δον Κιχώτη του Minkus, που ήταν το καμάρι του θιάσου, εξαφανίστηκαν επίσης. Μέχρι τον σερ. δεκαετία του 1990 Δεν υπήρχαν μεγάλοι σύγχρονοι χορογράφοι που εργάζονταν στο Θέατρο Μπολσόι. Μεμονωμένες παραστάσεις ανέβασαν οι V.V. Vasiliev, M.M. Plisetskaya, A.B. Άστον[“Vain Precaution” του F. (L. F.) Herold, 2002], J. Neumeier(“A Midsummer Night's Dream” σε μουσική F. Mendelssohn και D. Ligeti, 2004). Ειδικά για το Θέατρο Μπολσόι, τα μπαλέτα συνέθεσαν οι μεγαλύτεροι Γάλλοι χορογράφοι P. Lacotte(“The Pharaoh’s Daughter” του C. Pugna, βασισμένο στην παράσταση του M. I. Petipa, 2000) και του R. Petit (“The Queen of Spades” σε μουσική P. I. Tchaikovsky, 2001). Από τους κλασικούς του 19ου–20ου αιώνα. κατά τη διάρκεια αυτών των χρόνων, ο Ρωμαίος και η Ιουλιέτα του Λ. Μ. Λαβρόφσκι, η παλιά έκδοση του Δον Κιχώτη της Μόσχας, αποκαταστάθηκαν. Δικές του εκδόσεις κλασικών παραστάσεων (Λίμνη των Κύκνων, 1996· Ζιζέλ, 1997) ετοίμασε ο V.V. Vasiliev (καλλιτεχνικός διευθυντής - διευθυντής του θεάτρου το 1995-2000). Όλα τα R. δεκαετία του 2000 στο ρεπερτόριο εμφανίστηκαν νέες παραγωγές μπαλέτων του S. S. Prokofiev («Romeo and Juliet» των R. Poklitaru και D. Donnellan, 2003· «Cinderella» των Yu. M. Posokhov και Yu. O. Borisov, 2006) και του D. D. Shostakovich ( "Svetly Stream", 2003, "Bolt", 2005, και τα δύο - σκηνοθετεί ο Α. Ο.Ρατμάνσκι ), που πραγματοποιήθηκε με σύγχρονα εκφραστικά μέσα χορογραφίας.

Σημαντική θέση στο ρεπερτόριο των πρώτων χρόνων του 21ου αιώνα. απασχόλησε τα έργα του Ρατμάνσκι (το 2004–09 καλλιτεχνικός διευθυντής του Μπαλέτου Μπολσόι). Εκτός από αυτές που αναφέρονται παραπάνω, ανέβασε και μετέφερε τις παραστάσεις του στη σκηνή της Μόσχας: «Lea» σε μουσική του L. Bernstein (2004), «Playing Cards» του IF Stravinsky (2005), «The Flames of Paris» του BV Asafiev ( 2008, χρησιμοποιώντας κομμάτια της χορογραφίας του V. I. Vainonen), "Russian Seasons" σε μουσική του L. A. Desyatnikov (2008).

Από το 2007, το Θέατρο Μπολσόι έχει ξεκινήσει εργασίες για την αποκατάσταση κλασικών μπαλέτων με βάση ιστορικά υλικά. Δραστηριοποιήθηκε ιδιαίτερα το 2009–11, όταν ο καλλιτεχνικός διευθυντής του θιάσου ήταν γνώστης της αρχαίας χορογραφίας του Yu. pas από το μπαλέτο "Paquita" του LF Minkus (2008, σκηνοθεσία Burlak μετά τον Petipa), "Coppelia" του L. Delibes (2009, σε σκηνοθεσία SG Vikharev μετά τον Petipa), "Esmeralda" του C. Pugni (2009, σε σκηνοθεσία Burlak και VM Medvedev μετά τον Petipa), "Petrushka" του IF Stravinsky (2010, σκηνοθέτης Vikharev βασισμένος στην εκδοχή του MALEGOT ).

Το 2009, ο Yu. N. Grigorovich επέστρεψε στο Θέατρο Μπολσόι ως χορογράφος, συνέχισε πολλές από τις παραστάσεις του (Romeo and Juliet, 2010; Ivan the Terrible, 2012; Legend of Love, 2014; "Χρυσή Εποχή", 2016), ετοίμασε μια νέα έκδοση του Sleeping Beauty (2011).

Από τα τέλη της δεκαετίας του 2000 Στον τομέα του σύγχρονου ρεπερτορίου, υπήρξε μια στροφή προς παραστάσεις μεγάλης πλοκής (“Lost Illusions” του LA Desyatnikov, χορογραφία AO Ratmansky, 2011· “Onegin” στη μουσική του PI Tchaikovsky, χορογραφία J. Cranko, 2013· « Marco Spada, or the Bandit's Daughter» του D. Aubert, χορογραφία P. Lacotte, 2013· «Lady with the Camellias» σε μουσική F. Chopin, χορογραφία J. Neumeier, 2014. «The Taming of the Shrew» σε μουσική DD Shostakovich, χορογραφία Zh K. Mayo, 2014, A Hero of Our Time του I. A. Demutsky, χορογραφία Y. M. Posokhov, 2015; Romeo and Juliet του S. S. Prokofiev, χορογραφία Ratmansky, 2017; Β' (2007) και Α' (2013) βαθμοί, Τάγμα του Αγίου Αποστόλου Ανδρέα του Πρωτοκλήτου (2017).

Η Ρωσία ήταν πάντα διάσημη για τους πιο ταλαντούχους τραγουδιστές της όπερας. Η ζωή τους δεν κυλούσε πάντα με τον καλύτερο τρόπο, αλλά συνέχιζαν με πείσμα να προχωρούν. Τα πιο λαμπερά ονόματα της σκηνής της όπερας θα μείνουν για πάντα στις καρδιές των θαυμαστών της ομορφιάς. Ως εκ τούτου, αξίζει να μάθετε λίγα περισσότερα για τη ζωή και τη διαμόρφωση των θρυλικών ειδώλων.

Ντμίτρι Αλεξάντροβιτς Χβοροστόφσκι

Αυτός ο θρυλικός τραγουδιστής της όπερας είναι κάτοχος του τίτλου του επίτιμου τραγουδιστή της RSFSR. Επιπλέον, έγινε δημοφιλής Ο Ντμίτρι ερωτεύτηκε τη μουσική σε πολύ νεαρή ηλικία, εμπνευσμένος από τις δραστηριότητες του πατέρα του. Στο επάγγελμα, ο μπαμπάς του ήταν χημικός μηχανικός, αλλά του άρεσε πολύ η μουσική της όπερας, οπότε υπήρχε πάντα ένας τρελός αριθμός δίσκων με ηχογραφήσεις διάσημων φωνών στο σπίτι.

Ως εκ τούτου, από την παιδική ηλικία, ο Ντμίτρι Αλεξάντροβιτς Χβοροστόφσκι απολάμβανε τις δημιουργίες του Chaliapin και άλλων διάσημων τραγουδιστών. Επιπλέον, λάτρευε τον Caruso, την Arkhipova και πολλούς άλλους θρυλικούς ερμηνευτές εκείνης της εποχής.

Το ταλέντο του Hvorostovsky στο τραγούδι άρχισε να εκδηλώνεται από τα πρώτα χρόνια, όταν άρχισε να ερμηνεύει για πρώτη φορά τις πιο περίπλοκες άριες και ειδύλλιες. Μετά από αυτό, κανείς δεν είχε καμία αμφιβολία για το ποιο ταλαντούχο αγόρι. Το 1985 έγινε σολίστ με το Krasnodar and Ballet. Εκεί εργάστηκε μέχρι το 1990.

Στο μεσοδιάστημα μεταξύ των παραστάσεων στο θέατρο, ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους τραγουδιστές όπερας κατάφερε να γίνει βραβευμένος στο Διαγωνισμό Glinka. Ταυτόχρονα, το 1988, έγινε ο νικητής του διαγωνισμού μεταξύ των πιο λαμπρών εκπροσώπων της όπερας στη Γαλλία. Κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, κατάφερε επίσης να ανάψει στον τηλεοπτικό διαγωνισμό του BBC, και έγινε ο νικητής στην υποψηφιότητα Singer of the World.

Askar Abdrazakov

Μιλώντας για Ρώσους τραγουδιστές όπερας, δεν μπορούμε παρά να αναφέρουμε τον άνδρα που γεννήθηκε το 1969. Ο Askar Abdrazakov ξεκίνησε με τον ίδιο τρόπο με τον Hvorostovsky. Το ταλέντο του φάνηκε από νωρίς. Ήδη το 1991, έγινε ο κύριος σολίστ του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου, που βρίσκεται στην Ufa.

Επιπλέον, ο Askar συμμετείχε σε διάφορες παραγωγές των ωδείων της πόλης του. Μεταξύ άλλων, ο Abdrazakov έγινε συμμετέχων στο φεστιβάλ Irina Arkhipova, όπου έκανε την πιο ανεξίτηλη εντύπωση στο κοινό.

Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, επισκέφτηκε έναν τεράστιο αριθμό ξένων χωρών. Σε γενικές γραμμές, ένας από τους σπουδαίους Ρώσους τραγουδιστές της όπερας έχει ταξιδέψει σε όλο τον κόσμο. Ωστόσο, το κατάφερε μόλις το 1995, όταν έκανε το πρώτο του ντεμπούτο στη σκηνή. Η μεγαλύτερη του επιτυχία θεωρείται η συμμετοχή του στην παραγωγή του «Ευγένιου Ονέγκιν» το 1996 στην πόλη της Τεργέστης (Ιταλία). Όπως και πολλοί άλλοι διάσημοι τραγουδιστές της όπερας, ο Askar έλαβε μέρος σε διάφορους διαγωνισμούς τραγουδιού και έλαβε έναν τεράστιο αριθμό υψηλών τίτλων και τίτλων.

Vladimir Andreevich Atlantov

Μιλώντας για Ρώσους καλλιτέχνες όπερας, αξίζει να αναφερθεί αυτή η θρυλική προσωπικότητα, που γεννήθηκε το 1939 στο Λένινγκραντ. Σε αντίθεση με πολλούς άλλους συναδέλφους του, γεννήθηκε σε οικογένεια επαγγελματιών τραγουδιστών. Η μητέρα του εργαζόταν στο θέατρο Κίροφ, όπου έπαιξε τους σημαντικότερους ρόλους. Ως εκ τούτου, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι ο Βλαντιμίρ πέρασε σχεδόν ολόκληρη τη νεολαία του στο ίδιο μέρος όπου μπόρεσε να γνωρίσει όλη τη γοητεία και την ομορφιά της μουσικής και του τραγουδιού. Σε γενικές γραμμές, άρχισε να αφοσιώνεται σε αυτήν την κατεύθυνση σε ηλικία 6 ετών, όταν μπήκε στη σχολή χορωδίας.

Αρχικά, ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους τραγουδιστές της όπερας σπούδασε πιάνο, βιολί και τσέλο. Χάρη σε αυτό, ήδη το 1862 έλαβε το ασημένιο μετάλλιο Glinka.

Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι το θέατρο Kirov, όπου εργαζόταν η μητέρα του, άρχισε να ενδιαφέρεται για το νεαρό ταλέντο. Από τότε, άρχισε να εργάζεται εκεί και πραγματικά εμποτισμένος με το πνεύμα της δημιουργικής δραστηριότητας. Ένα χρόνο μετά την εμφάνισή του στον θίασο, πέρασε από την κατηγορία των ανήλικων τραγουδιστών σε αρχηγούς.

Ο Βλαντιμίρ έλαβε το πρώτο του χρυσό μετάλλιο το 1996. Και το 1967 πήρε μέρος σε διαγωνισμό στη Σόφια, όπου κέρδισε το κύριο βραβείο. Η καταπληκτική φωνή του εκτιμήθηκε σε όλες τις χώρες όπου εμφανίστηκε.

Γκεόργκι Αντρέεβιτς Μπακλάνοφ

Αυτός ο διάσημος Ρώσος τραγουδιστής της όπερας γεννήθηκε το 1881. Στη νεολαία του, πήγε να σπουδάσει στο Κρατικό Ωδείο, που βρίσκεται στο Κίεβο. Εκεί, για πρώτη φορά, έκανε το πρώτο του ντεμπούτο, που έγινε το 1904.

Από εκείνη τη στιγμή, για τα επόμενα 5 χρόνια, ήταν ο βασικός σολίστ του θεάτρου Μπολσόι. Ωστόσο, το 1909, ο Γιώργος αποφασίζει να εγκαταλείψει την πατρίδα του και να ξεκινήσει τις περιοδείες στις ρωσικές πόλεις. Επιπλέον, άρχισε να ταξιδεύει συχνά στη Δυτική Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες. Το 1915, ο Μπακλάνοφ αποφάσισε να μετακομίσει εντελώς στο εξωτερικό.

Οι πιο επιτυχημένες εμφανίσεις του έγιναν το 1911, όταν έδωσε μια συναυλία στο Βερολίνο, τραγουδώντας την άρια «Scarpia and Rigoletto». Ερμήνευσε επίσης το μέρος του «Ευγένιου Ονέγκιν», που τραγούδησε με λαμπρότητα στο Παρίσι. Σε γενικές γραμμές, αυτός ο θρυλικός τραγουδιστής της όπερας έχει ταξιδέψει σε όλο τον κόσμο, συμμετέχοντας στις πιο μεγαλειώδεις παραγωγές. Η μαγευτική φωνή του ήταν της γεύσης του Ευρωπαίου ακροατή.

Alexander Filippovich Vedernikov

Αυτός ο τραγουδιστής γεννήθηκε το 1927. Το 1995 αποφοίτησε με επιτυχία από το Ωδείο της Μόσχας. Ένα χρόνο αργότερα, προτάθηκε για πρώτη φορά σε διαγωνισμό φωνητικής στο Βερολίνο, τον οποίο κέρδισε με επιτυχία. Ξεκινώντας το 1955, για 3 χρόνια ήταν ο κύριος σολίστ του θεάτρου Mariinsky. Ο ερμηνευτής έφτασε στο Θέατρο Μπολσόι το 1957. Ένα χρόνο αργότερα έγινε σολίστ του. Λίγο αργότερα ολοκλήρωσε με επιτυχία μια πρακτική άσκηση στην Ιταλία. Ο Alexander Vedernikov έλαβε έναν τεράστιο αριθμό βραβείων τόσο στη Σοβιετική Ένωση όσο και στο εξωτερικό. Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, επισκέφτηκε έναν τεράστιο αριθμό χωρών και έλαβε μόνο τις καλύτερες κριτικές. Οι περισσότεροι κριτικοί παρατήρησαν ότι αυτός ο τραγουδιστής της όπερας έχει μια μοναδική φωνή και την ικανότητα να συνηθίζει τον ρόλο τόσο ενθουσιωδώς που ο θεατής κυριολεκτικά παθαίνει τσαμπουκά.

Evgeny Evgenievich Nesterenko

Αυτός ο τραγουδιστής της όπερας γεννήθηκε το 1938. Για όλο το χρόνο του, ο Evgeny Nesterenko έλαβε έναν τεράστιο αριθμό βραβείων τόσο στην επικράτεια της Σοβιετικής Ένωσης όσο και σε άλλες χώρες. Αρχικά, η θρυλική προσωπικότητα σπούδασε στο Ινστιτούτο Πολιτικών Μηχανικών του Λένινγκραντ, αλλά το 1965 αποφασίζει να επανεκπαιδευτεί και πηγαίνει στο Κρατικό Ωδείο του Λένινγκραντ. Ρίμσκι-Κόρσακοφ.

Λίγο αργότερα, ο Evgeny Nesterenko έγινε ο σολίστ της Όπερας Maly. Μετά από αυτό, αποφάσισε να ασχοληθεί με τη διδασκαλία. Αν μιλάμε για τα κύρια επιτεύγματα αυτού του τραγουδιστή όπερας, αξίζει να σημειωθεί ότι ερμήνευσε περισσότερα από 50 κορυφαία μέρη. Έπαιξε όπερες στην πρωτότυπη γλώσσα.

Επίσης, το 1967, ο Ευγένιος συμμετείχε στον διαγωνισμό για νέους τραγουδιστές όπερας, ο οποίος πραγματοποιήθηκε στην πόλη της Σόφιας (Βουλγαρία). Εκεί έλαβε ένα ασημένιο μετάλλιο. Το 1970, ο Nesterenko απέκτησε ένα χρυσό μετάλλιο, έχοντας κερδίσει με επιτυχία τον Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι, ο οποίος διεξήχθη στην επικράτεια της ΕΣΣΔ.

Ο Nesterenko ήταν πραγματικά ο ιδιοκτήτης μιας κομψής φωνής, η οποία εκτιμήθηκε από τους συναδέλφους και τους κριτικούς του.

Evgeny Gavrilovich Kibkalo

Αυτός ο τραγουδιστής της όπερας διακρίθηκε με εξαιρετικό βαρύτονο και την εμπειρία του στη διδασκαλία. Ο Evgeny Kibkalo έλαβε επίσης τον τίτλο του Λαϊκού Καλλιτέχνη της RSFSR. Ο λαμπρός τραγουδιστής της όπερας ξεκίνησε την καριέρα του στην Ουκρανία. Ωστόσο, ήδη το 1956 μετακόμισε στο Θέατρο Μπολσόι, όπου έγινε σολίστ. Αρχικά όλοι νόμιζαν ότι θα έκανε τραγουδιστή μόνο με καλό μπάσο. Ωστόσο, η φωνή του μπορούσε να πάρει τέλεια τις χαμηλότερες συχνότητες.

Χάρη στο πολύπλευρο ταλέντο του, το 1963 πήγε πρακτική στο Μιλάνο. Οι δάσκαλοι του θεάτρου του Μιλάνου σημείωσαν την απαλή, ομοιόμορφη και όμορφη φωνή του, η οποία διακρίνεται για την εκπληκτική συχνότητα και την ομοιομορφία της. Σημείωσαν ότι ο Yevgeny Gavrilovich μπορεί τέλεια να μεταβεί στο falsetto.

Μετά από αυτό, ο Yevgeny Kibkalo έπαιξε το ρόλο του "Eugene Onegin" στην ταινία-όπερα Tikhomirov. Αμέσως ξεχώρισε την τραγουδίστρια μπροστά σε όλους τους υπόλοιπους βαρύτονους που έκαναν αίτηση για αυτόν τον ρόλο. Αργότερα, ο σκηνοθέτης δεν μετάνιωσε ποτέ για την απόφασή του.

Αξίζει να σημειωθεί ότι ο Eugene ολοκλήρωσε την εκμάθηση του ρόλου του ακριβώς στη διαδικασία των γυρισμάτων, αφού είχε πολύ λίγο χρόνο. Ωστόσο, αυτό δεν τον εμπόδισε να εκτελέσει το ρόλο του με μεγαλειώδη επιτυχία. Αξίζει να σημειωθεί ότι η τραγουδίστρια της όπερας διακρινόταν πάντα για εξαιρετικό ταλέντο στο τραγούδι και ταχύτητα μάθησης. Πολλοί ειδικοί αναγνώρισαν τη φωνή του ως σημείο αναφοράς μεταξύ των βαρύτονων. Ωστόσο, με όλα αυτά, θα μπορούσε να δώσει και ηχητικότητα στο τραγούδι του, χάρη στο οποίο έγινε πραγματικά ένας μοναδικός ερμηνευτής.

Ιβάν Κοζλόφσκι

Αυτός ο τραγουδιστής της όπερας γεννήθηκε το 1900 στην επαρχία του Κιέβου. Ο πατέρας του έπαιζε βιεννέζικη φυσαρμόνικα και τραγουδούσε εξαιρετικά. Χάρη σε αυτό, από την παιδική ηλικία, ο Kozlovsky Ivan Semenovich ξύπνησε μια έντονη λαχτάρα για μουσική και τραγούδι. Ο πατέρας του επέστησε αμέσως την προσοχή στο γεγονός ότι το αγόρι έχει εξαιρετική ακοή και πολλοί επαγγελματίες τραγουδιστές όπερας μπορούν να ζηλέψουν τη φωνή του. Ως εκ τούτου, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι όταν ο Ιβάν μεγάλωσε, πήγε να τραγουδήσει στη χορωδία του Trinity People's House, που βρισκόταν στο Κίεβο. Ωστόσο, έχοντας κατακτήσει τους πάντες με το ταλέντο του, μετά από λίγο ο Κοζλόφσκι Ιβάν Σεμένοβιτς έγινε σολίστ της Ακαδημαϊκής Χορωδίας Μπολσόι. Εκείνη την εποχή ηγούνταν ο Kosice. Έγινε ο μέντορας του νεαρού ταλέντου. Χάρη στα μαθήματα και τις συστάσεις του, ο Κοζλόφσκι μπόρεσε να εισέλθει στο Ινστιτούτο Μουσικής και Δράματος του Κιέβου, από το οποίο αποφοίτησε με άριστα το 1920. Ωστόσο, μετά από αυτό, τα σχέδιά του άλλαξαν λίγο, καθώς ο Ιβάν αποφάσισε να γίνει εθελοντής στον Κόκκινο Στρατό. Ανατέθηκε στην ταξιαρχία πεζικού των στρατευμάτων μηχανικής, μετά την οποία ο Κοζλόφσκι αναγκάστηκε να πάει στην Πολτάβα. Ωστόσο, του επετράπη να συνδυάσει την υπηρεσία και τη συναυλία. Λίγο αργότερα, το 1924, ο Ιβάν μπήκε στην Όπερα του Χάρκοβο.

Ιβάν Ερσόφ

Αυτός ο διάσημος τραγουδιστής της όπερας γεννήθηκε το 1867 σε ένα αγρόκτημα στην περιοχή του Ροστόφ. Όταν αποδείχθηκε ότι είχε τεράστιο ταλέντο στη μουσική και το τραγούδι, ο Ιβάν Βασίλιεβιτς Ερσόφ μπήκε στο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης. Το 1893 αποφοίτησε με επιτυχία από αυτό και πήγε να βελτιωθεί στην Ιταλία. Αργότερα το 1894 έγινε σολίστ στο Θέατρο της Όπερας του Χάρκοβο. Αργότερα, ο ταλαντούχος τραγουδιστής μετακόμισε στο θέατρο Mariinsky.

Ζουράμπ Λαυρέντιεβιτς Σοτκιλάβα

Αυτός ο ταλαντούχος τραγουδιστής γεννήθηκε το 1937 στην πόλη Σουχούμ. Όπως πολλοί άλλοι, γεννήθηκε σε μια οικογένεια όπου λίγοι ασχολούνταν με τη μουσική. Ο πατέρας του ήταν γιατρός και η μητέρα του εργαζόταν ως ιστορικός.

Ο μελλοντικός τραγουδιστής της όπερας Zurab Lavrentievich Sotkilava ήταν λάτρης του ποδοσφαίρου στην αρχή. Το πάθος του για τη φωνητική άρχισε να εκδηλώνεται μόνο στην εφηβεία, όταν συνάντησε για πρώτη φορά έναν καθηγητή στο Ωδείο της Τιφλίδας. Μετά από αυτό, ο Zurab άρχισε να τραγουδά ανάμεσα σε αθλητικές προπονήσεις.

Το 1959, ο Σοτκιλάβα έλαβε έναν αρκετά σοβαρό τραυματισμό και αναγκάστηκε να εγκαταλείψει το ποδόσφαιρο. Τότε ήταν που άρχισε να αφιερώνει όλο τον ελεύθερο χρόνο του στο τραγούδι.

Ένα χρόνο αργότερα, μπήκε στο ωδείο και αποφοίτησε με επιτυχία. Από το 1974, ο τραγουδιστής άρχισε να εργάζεται στο Θέατρο Μπολσόι. Η φωνή του εξέπληξε πολλούς με την ευελιξία της. Χάρη σε αυτό, ένας ταλαντούχος νεαρός άνδρας που ονειρευόταν να γίνει διάσημος ποδοσφαιριστής μετατράπηκε σε θρυλικό ερμηνευτή των πιο περίπλοκων άριων της όπερας.

Alexander Iosifovich Baturin

Ένας άλλος θρυλικός τραγουδιστής της όπερας που αξίζει να αναφερθεί γεννήθηκε το 1904. Ο πατέρας του εργαζόταν ως απλός δάσκαλος της υπαίθρου. Πέθανε ένα χρόνο μετά τη γέννηση του γιου του. Μετά από αυτό, ο Alexander Baturin αναγκάστηκε να περιπλανηθεί στα σπίτια των συγγενών του. Ωστόσο, αυτή τη στιγμή, το ενδιαφέρον του για τη μουσική άρχισε να εκδηλώνεται. Παρά τα δύσκολα παιδικά του χρόνια, το 1920 μπήκε στην επαγγελματική σχολή της Οδησσού, όπου εκπαιδεύτηκε ως οδηγός. Αργότερα αποφοίτησε ως μηχανικός.

Στον ελεύθερο χρόνο του, ο Alexander Baturin εμφανίστηκε σε έναν ερασιτεχνικό κύκλο, όπου όλοι παρατήρησαν αμέσως την εξαιρετική φωνή του. Χάρη στις προσπάθειες των συναδέλφων του, το 1921, σε μια συνάντηση της Ένωσης Εργαζομένων στις Μεταφορές, αποφασίστηκε να σταλεί ένα ταλαντούχο ταλέντο για σπουδές στο Ωδείο της Πετρούπολης.

Το 1927, ο Αλέξανδρος κλήθηκε για πρώτη φορά στον διευθυντή του θεάτρου Μπολσόι, μετά τον οποίο εγγράφηκε με επιτυχία στον θίασο. Μέχρι εκείνη την εποχή, ο Baturin έπαιζε μόνο σε επαρχιακές μικρές πόλεις. Ωστόσο, αυτό δεν τον εμπόδισε να λάβει τους υψηλότερους βαθμούς από τους πιο επιθετικούς ξένους κριτικούς. Λίγο αργότερα, οι δημοσιογράφοι έγραψαν μάλιστα ότι ο Baturin ήταν ένα νέο αστέρι που είχε αντικαταστήσει τον ίδιο τον Chaliapin, ο οποίος είχε φύγει από τη Ρωσία. Έτσι, ο Αλέξανδρος έγινε διάσημος όχι μόνο στην επικράτεια της πατρίδας του, αλλά και πολύ πέρα ​​από τα σύνορά της. Η όμορφη φωνή του πρώην ποδοσφαιριστή ενθουσίασε τους τηλεθεατές σε όλο τον κόσμο.